Descubre la obra contemporánea de Gilles Arnould
He estado dibujando desde la infancia. Practiqué el grabado en el taller de Jean Delpech. En 1973 fui admitido en la Escuela de Bellas Artes de París, Quai Malaquais, donde practiqué punta seca y aguafuerte en el taller de grabado de Bertrand Dorny y Jean-Marie Granier. Del grabado pasé poco a poco a la fotografía. Ambas técnicas permiten obtener estampas con múltiples variaciones posibles, con aspectos aterciopelados en negros profundos. La investigación en artes visuales es la puesta en escena del cuerpo humano. Enseñé artes visuales en el sistema educativo nacional durante 20 años, de 1993 a 2013, con el fin de salir del taller y compartir mi pasión con los jóvenes. Después de haber realizado grabados, acuarelas, dibujos, fotografías, fui llegando poco a poco a la representación no figurativa y al volumen a través de la escultura.
En el marco del PRIX Villa Médicis Hors les Murs, me encargaron tomar fotografías de esculturas y moldes antiguos en Grecia, particularmente en el Museo de Atenas y en varios sitios arqueológicos (Micenas, Delfos).
Mis esculturas, inspiradas en la estructura de la pieza de madera, exploran la relación entre la luz y la materia, gracias a un juego entre vacíos y sólidos, peso y ligereza. El material, cortado con motosierra, moldeado, grabado, se convierte en material superficial, crudo o pulido. Aparece en una profusión de ritmos, vetas, matices de negro quemado, gris y blanco.
El arte debe ser « grande » :El formato de una obra coloca al espectador en una relación física con el cuerpo: cuanto mayor sea el formato, más llamativo será el efecto de presencia espacial. Estoy tratando de construir lo que creo que es una expresión. Mi fuerza expresiva se basa en el deseo de llevar a cabo lo que quiero expresar, de dar un significado, una intención poética, de ir más allá de la banalidad, de acercar al espectador a otras emociones, a otros valores. La creación artística debe implicar riesgo, un riesgo que genere innovación, progreso y diferenciación. El sesgo está vinculado a la percepción del riesgo y, para afirmarme, establezco opciones, estrategias y objetivos. Esto me obliga a deshacerme de lo superfluo y centrarme en lo esencial. El fracaso es beneficioso; También desencadena la imaginación. El riesgo también puede ser sinónimo de emoción.
Mis obras poseen un ritmo, una dinámica que se impone a través de diferentes oposiciones: horizontalidad-verticalidad, positivo-negativo, apariencia-realidad, gris-color, luz-oscuridad, apertura-cierre, estabilidad-inestabilidad, apariencia-estructura, ritmos, vetas, gradientes, negros quemados, grises y blancos.
La verticalidad es el hilo conductor de mis esculturas y pinturas. La verticalidad crea un equilibrio que se transforma en volumen para las esculturas, alrededor de la noción de estabilidad. Piezas en equilibrio, volúmenes, aristas, formas esculpidas se plantan entre el cielo y la tierra, congeladas, frente a nosotros, alrededor de una gravitación a veces inestable. Los volúmenes son parte de la turbulencia del material: algunas habitaciones tienen ventanas, puertas que se abren a puntos de referencia distantes. Creo contrastes entre la forma refinada y la tosca para hacerlas resonar en el espacio. Creo curvas que combinan con la sencillez de los volúmenes. Desarrollo una profusión de ritmos, vetas, gradaciones de negros quemados, grises, blancos, ocres, rojos, marrones.
Me parece fundamental analizar para comprender las obras en su conjunto, para determinar cuáles son las de mejor nivel. En arte, debemos desconfiar de una visión maniquea según la cual toda expresión artística es buena o mala. ¿Quién tiene talento y quién no? ¿Quién tiene aptitud natural, quién es trabajador? Analizar una obra es un ejercicio exigente, cuyos resultados no están garantizados. La comodidad del prejuicio es más atractiva que la incomodidad del juicio.
