Toda la pintura de Gilles Aillaud es política

Sobre la exposición “Gilles Aillaud. Animal político”, expuesta hasta el 26 de febrero en el Centro Pompidou de París.

La obra de Gilles Aillaud (1928-2005) inicialmente me produjo un poco el mismo efecto que la de Rosa Bonheur (1822-1899): a priori, la representación de animales no es lo que me atrae en la pintura, sino por mirar más de cerca y, sobre todo, interesarme también por la vida del artista, ¡de repente me fascina! Con la diferencia de que el hecho de que no se sacrifique al hiperrealismo como lo hizo su predecesor un siglo antes, ya hizo que Gilles Aillaud me resultara más accesible desde el principio. Es más probable que me complazca. Sus cabezas de pantera, borrosas como lo habría hecho una fotografía de una bestia en movimiento, me interesaron. Sus leones, sus jirafas, sus focas… siempre en cautiverio y mimetizados con la decoración de sus jaulas, no podían dejarme del todo indiferente. Este hijo de arquitecto, pintor pero también escritor, escenógrafo y decorador de teatro, es verdaderamente un formidable animal político. Y esto es lo que subraya maravillosamente el título de la exposición, que su comisario Didier Ottinger pretende ser un reflejo de las preocupaciones de nuestro tiempo: “Gilles Aillaud. Animal político”, expuesta hasta el 26 de febrero en el Centro Pompidou de París.

“Porque los amo”, respondió el artista a quienes le preguntaron por qué los animales se habían convertido en su tema favorito entre 1963 y 1964. El arte pop y la sociedad del espectáculo estaban en pleno apogeo, y comenzó a pintar animales solos en zoológicos, encerrados en jaulas, recintos, techos de cristal o detrás de puertas, tendiendo, a través del mimetismo, a mezclarse con su medio. Por tanto, es fácil imaginar que el deseo de producir obras de arte para venderlas en el mercado del arte contemporáneo estaba lejos de ser su única motivación. La precisión en el tratamiento de los temas y el encuadre casi fotográfico confieren a sus cuadros una presencia figurativa muy fuerte no exenta de misterio. En la década siguiente tendieron a ocupar toda la producción del artista, que al mismo tiempo se dedicó cada vez más a la escenografía y la escritura.

“Rica con unas cuarenta piezas elegidas entre las más bellas y emblemáticas de su extensa producción, esta exposición rechaza la demostración pletórica en favor de un recorrido agudo, vivo y preciso, perfectamente dispuesto para que convivan las vistas de los parques zoológicos, voluntariamente melancólicas, y los paisajes africanos, amplios y deslumbrantes. Tenso, este viaje es una oda a la humildad y la delicadeza, lejos de la mecanización del gesto y la artificialización del mundo. La política, el animal…”, escribe Colin Lemoine, que nos ofrece el estudio de una obra de Gilles Aillaud, Panthères, en el número de enero de la revista Connaissances des arts.

Gilles Aillaud, Panthers, 1977, óleo sobre lienzo, 250 × 200 cm, Centro Nacional de Artes Plásticas © Adagp, París, 2023/Cnap Photo Galerie Karl Flinker

“Si las estancias africanas del pintor, en particular en Kenia, le permitieron reconectarse con la alegría del aire libre, Aillaud ofrece con sus Panteras una importante reflexión sobre la soledad enclaustrada de los animales y, según él mismo admite, sobre “la monstruosidad de vivir en tales lugares”. un lugar, como humanos en una comisaría”. Dando vueltas como leones en una jaula, los animales salvajes de este zoológico parecen cansados ​​o, peor aún, desilusionados, sin tener otra cosa que hacer que sobrevivir, persistir en lo vivo, según una "reiteración obstinada y fascinante de una insistencia de existencia para manifestarse”, continúa el periodista. “El silencio no es paz en esta inquietante escena de zoológico: el sol implacable crea sombras amenazadoras, el cielo es una promesa rechazada por vallas autoritarias, la espera al aire libre es como una tortura. Comprado por el Estado francés y depositado en el Museo de Arte Moderno de París, este lienzo de doscientos cincuenta por doscientos centímetros tiene algo de asfixiante. Cinco metros cuadrados de desolación y letargo, pero también de asombro, por el misterio de las bestias y por la pintura pura. »

Después de estudiar filosofía, tras haber fracasado en la Escuela Normal Superior con Maurice Merleau-Ponty, Gilles Aillaud volvió en 1949 a la pintura, que practicaba desde niño, sin dejar nunca de cuestionarse el significado del mundo. A principios de los años cincuenta, creó collages de materiales heterogéneos que presentó durante una primera exposición personal en la galería Niepce de París. En 1959 expuso en el Salon de la Jeune Peinture, del que asumió la presidencia en 1966. En este laboratorio de experimentos plásticos y teóricos participó activamente en la renovación del género, convirtiéndose en uno de los protagonistas de la Figuración Narrativa, después el concepto desarrollado por el crítico Gérard Gassiot-Talabot.

En 1961, Aillaud conoció a Eduardo Arroyo (1937-2018) con quien compartía similitudes en sus concepciones artísticas y políticas. En 1964, Aillaud, Arroyo y Antonio Recalcati (nacido en 1938) crearon Una pasión en el desierto, que expusieron en la Galería Saint-Germain de París (gracias a una donación anónima, este fresco narrativo pasó a formar parte de las colecciones del MAM París en 2018). Inspirado en un cuento homónimo de Honoré de Balzac, que relata los amores fantásticos de un soldado del ejército de Bonaparte y una pantera en el desierto egipcio, constituye el primer volumen de un manifiesto pictórico, cuyo segundo acto es Vive y deja morir o lo trágico. Fin de Marcel Duchamp (conservado en el Museo Reina Sofía de Madrid). Mientras que la primera serie reivindica audazmente el derecho a la narrativa en la pintura, la representación del asesinato del inventor del ready-made suscita un enorme escándalo. Las dos obras se reunieron en 1965 en la exposición fundacional organizada por Gassiot-Talabot en la galería de arte Creuze: La figuración narrativa en el arte contemporáneo.

El compromiso político de Aillaud se expresa también en numerosos textos polémicos y manifestaciones que reúnen a los protagonistas de la Figuración narrativa y, más ampliamente, a los miembros del Salón de la Jeune Peinture. Lo encontramos en 1968 en el Atelier Populaire de la Escuela de Bellas Artes, y en particular en el marco de la “Manifiesto de apoyo al pueblo vietnamita” organizada por iniciativa del comité del Salón de la juventud de Pintura. Esta exposición, cancelada en junio de 1968 debido a los acontecimientos de mayo, fue presentada en el Museo de Arte Moderno de París, como parte del ARC (Animation Research Confrontation – departamento contemporáneo y laboratorio multidisciplinario del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París) del 17 de enero al 23 de febrero de 1969, bajo el título de “Sala Roja para Vietnam”. Aillaud presenta en particular una de sus obras políticas más famosas, Vietnam. La batalla del Arroz (1968, colección privada), inspirada en una fotografía de prensa de 1965.

Las pinturas estrictamente políticas, sin embargo, permanecen bastante aisladas en la producción de Aillaud, estrechamente vinculadas al período durante el cual el artista estuvo muy involucrado en las actividades militantes y las expresiones artísticas colectivas de los miembros de la Jeune Peinture. En 1971, el mismo año de Realidades cotidianas de los mineros, cuando estaba previsto en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de París para su primera exposición personal, retiró sus obras en señal de protesta contra la censura y la retirada de dos obras de la exposición vecina del pintor Lucien Mathelin por los servicios de la Prefectura. Entre las obras retiradas se encontraba el Rinoceronte de espaldas, fechado en 1966.

El pintor Francis Biras (1929-2019), primer propietario del Realidades diarias de los mineros, era cercano a Gilles Aillaud. Los conservó durante toda su vida como recuerdo de estos años de activismo y cambios estéticos. Francis Biras, pintor antes de convertirse en escenógrafo y diseñador de vestuario, era entonces secretario del Salón de la Jeune Peinture. Participó en el cuadro colectivo Louis Althusser dudando en entrar en la dacha de Claude Lévi-Strauss, Tristes Miels, donde Jacques Lacan, Michel Foucault y Roland Barthes están reunidos en el momento en que la radio anuncia que los trabajadores y estudiantes han decidido abandonar felizmente su pasado (1969, colección privada). También fue uno de los modelos favoritos de varios de sus amigos artistas de Figuración Narrativa. En particular, prestó sus rasgos al legionario del ciclo de Pasión en el desierto. También conocemos un retrato en marquetería de Eduardo Arroyo: Retrato del pintor Francis Biras disfrazado de Pierre Loti y su perro Vamos (1973).

Si bien las escenas zoológicas ocupan un lugar central en la producción de Gilles Aillaud, las escenas políticas o ideológicas se encuentran hoy entre los aspectos menos conocidos de su obra, aunque contribuyen a su reconocimiento en la escena artística parisina de los años 1960. Pero en definitiva, como ahora sabemos , todas las escenas de todas sus obras de arte son de naturaleza política o ideológica. “Al sugerir que representaba a los animales, es nuestra relación con la naturaleza la que emerge como su único y verdadero tema”, afirma hoy Didier Ottinger, comisario de la exposición del Centro Pompidou. Así, Gilles Aillaud, aunque no se convirtió en filósofo, siempre pintó con filosofía. Y si Sócrates pensaba que la política debía estar respaldada por la filosofía, Platón fue aún más lejos, encomendando al filósofo una misión práctica: la de gobernar una Ciudad Ideal.

Artículo escrito por Valibri en Roulotte

Ilustraciones:

- “Oso Negro”, 1982 © DR © ADAGP, París, 2023

- Gilles Aillaud, Panthers, 1977, óleo sobre lienzo, 250 × 200 cm, Centro Nacional de Artes Plásticas © Adagp, París, 2023/Cnap Photo Galerie Karl Flinker