La realidad de la pintura según Robert Ryman
Sobre la exposición “Robert Ryman. La mirada en acción”, expuesta en el Museo de la Orangerie de París hasta el 1 de julio.
No puedo evitarlo: cada vez que visito un museo, pienso en la posibilidad de convertirme algún día en guardián de las obras de arte, rodeado de Beau durante mi tiempo de trabajo. El silencio también. Saboreo esta perspectiva de paz definitiva como un buen vino. Porque obviamente apunto a un pequeño museo provincial, alejado del bullicio de los grandes eventos artísticos que deberían “hacerse” en las grandes ciudades. Un museo regional muy pequeño, perdón, eso lo decimos ahora. Parece que el término provincia, al designar todo lo que no es la capital, resulta despectivo para los franceses que no son parisinos. La mayoría de los franceses, por tanto. Pero como son los parisinos los que han decidido dejar de utilizar el término provincia, no creo que en el fondo el término región sea mucho menos condescendiente desde su punto de vista... En definitiva. Me veo terminando mis días en un pequeño museo en el campo, preservando en paz sus tesoros. Abriendo sus puertas cada día a algunos visitantes parsimoniosos, curiosos, felices de estar allí, de verdad.
Sí, me gustaría eso, creo. Estoy seguro de que hay vibraciones relajantes en este tipo de lugar. Fue el escritor André Blanchard (1951-2014) quien me abrió las puertas a esta imaginación cuando lo entrevisté con ocasión de la publicación, en 2013, de sus últimos cuadernos publicados en vida bajo el título “A la demanda popular”. El hombre que se enorgullecía de poder ser publicado sólo por Le Dilettante, como él mismo lo era, obviamente no le faltaba humor con este título, aspirando sólo a deambular por una humilde galería del arte de Vesoul para garantizar una mínima seguridad material. dejándole un tiempo precioso para fumar, cuidar a su gato y escribir discretamente.
Fue así como comencé a soñar con esta posible posibilidad de ejercer algún día la profesión de guardián de obras de arte, cuando ya no pudiera hacer otra cosa que alejarme del ruido del mundo. Cuánto anhelamos refugio en medio de una tormenta. Como la posibilidad de una isla. Y ese fue precisamente el trabajo de Robert Ryman (1930-2019), que fue contratado en 1953 como camarero de sala en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, adonde llegó por el jazz. De hecho, el hombre que se convertiría en el gran maestro de los blancos había pensado primero en convertirse en músico, profesión que había practicado en el pasado en la Marina. Esto sin contar la frecuente asistencia a las pinturas de Paul Cézanne, Henri Matisse, Claude Monet, Jackson Pollock y Mark Rothko… “Allí, y hasta 1960, sentado en una silla anónima, Ryman comprendió físicamente hasta qué punto la pintura es un negocio de experiencia. , una cuestión de espacio y distancia, de suspensión y luz, de realismo”, escribe Colin Lemoine en su artículo para la revista Connaissance des arts de este mes de marzo. De ahí que el pintor refute a lo largo de su vida los epítetos de “minimalista” y “abstracto” que siempre se le han pegado. Quería que su pintura fuera descrita como realista, ya que era una experiencia voluptuosa. ¿Y sabes quiénes eran sus compañeros guardias del museo, que compartían con él la misma lección indeleble? Nada menos que Budd Hopkins, Dan Flavin y Sol LeWitt...
Los primeros experimentos pictóricos de Robert Ryman fueron totalmente autodidactas. Sin título (Pintura naranja), una pintura monocromática de 1955, será su primera obra de arte a la venta. El que también confirmará el uso sistemático del formato cuadrado por parte del pintor, "siempre que dé lugar a investigaciones obsesionadas en términos de soporte y superficie", especifica el periodista. Aunque sea el blanco, eso obsesionará a Ryman hasta el final de sus días. Este hombre blanco al que Kasimir Malevich también veneraba tanto. Este blanco tan rico en matices. Este blanco que “hace visibles las cosas” no puede ser un valor radicalmente abstracto y estrictamente minimalista”, añade Colin Lemoine citando al artista estadounidense.
Como hemos visto, la formación artística de Ryman se produjo principalmente a través de la experimentación personal y la exploración autodidacta. Estaba profundamente interesado en el trabajo de los artistas contemporáneos de su tiempo, así como en los movimientos emergentes como el expresionismo abstracto y el minimalismo. Pero mientras observaba las obras de otros artistas y las estudiaba de cerca, Ryman desarrolló su propio enfoque de la pintura, caracterizado por su simplicidad, rigor y compromiso con la materialidad del color y la textura. Al carecer de una formación académica tradicional en arte, Ryman pudo crear su lenguaje artístico distintivo, que se convertiría en una fuerza importante en el panorama del arte contemporáneo.
A diferencia de muchos artistas de su época, Ryman evitó deliberadamente cualquier forma de simbolismo o representación narrativa en su obra. Prefería centrarse en las cualidades físicas y sensoriales de la pintura como medio. Lo que diferencia su trabajo, por supuesto, es su apuesta por el color blanco, ya que ha dedicado su carrera a explorar las infinitas tonalidades y sutiles variaciones de este color aplicándolo a variadas superficies, como algodón, lino, papel e incluso aluminio. Utilizando la blancura como punto de partida, Ryman invitó a los espectadores a centrarse en las cualidades formales de la pintura, así como en cómo interactúa con la luz y el espacio circundante.
Aunque sus obras pueden parecer simples a primera vista, a menudo revelan una sutil complejidad cuanto más nos centramos en ellas. Capas de pintura, pinceladas y variaciones de textura crean composiciones que oscilan entre el orden y el caos, la unidad y la diversidad. Cada pintura de Ryman es una exploración cuidadosa de las posibilidades estéticas y materiales de la pintura, proporcionando una experiencia sensorial rica y matizada para quienes se toman el tiempo de sumergirse.
A lo largo de las décadas, el trabajo de Robert Ryman ha seguido ejerciendo una influencia significativa en los artistas contemporáneos, al tiempo que ha suscitado animados debates sobre la naturaleza del arte y la percepción. La famosa y exitosa obra de Yasmina Reza, "Art", representada por primera vez en 1994 y ahora traducida a más de treinta idiomas, se inspiró en la dramaturga francesa al ver las pinturas de Robert Ryman junto al director y gran coleccionista de arte Claude Berri.
En esencia, la práctica radical y experimental de Robert Ryman amplió los límites de lo que puede ser la pintura, dejando un legado duradero en el mundo del arte contemporáneo. Y dado lo mucho que ha perdurado su influencia desde su muerte en 2019, no hay duda de que a su exploración visionaria del color, la luz y la materialidad no le falta fuerza... Me gustaría saber qué es lo que dice el guardián de la 'una habitación donde solo Se expondrían las obras de arte blancas de Ryman... Mientras tanto, intentaré dejar mi taburete en el Museo de la Orangerie para perderme en la contemplación del “Robert Ryman. La mirada en acción”.
Artículo escrito por Valibri en Roulotte
Ilustración: Robert Ryman frente a "Concert", en su estudio del West Village de Nueva York, 1987
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