Polinización por Wolfgang Laib
Sobre la exposición “Wolfgang Laib. Una montaña que no podemos escalar. For Monet”, expuesta en el Museo de la Orangerie de París hasta el 8 de julio.
Muchas veces he tenido la oportunidad de hacer grandes descubrimientos en el campo del arte contemporáneo en el Museo de la Orangerie de París, además de disfrutar mucho delante de los ilustres cuadros dedicados al arte moderno. La reunión con Wolfgang Laib no fue una excepción a la regla. El primer museo de arte moderno francés, especialmente famoso por sus inmensos nenúfares circulares que Claude Monet ofreció al Estado francés al final de la Primera Guerra Mundial como símbolo de paz, nunca se duerme en los laureles, y es mejor así. Dos salas especialmente interesantes, la del foco de la colección y la de los contrapuntos contemporáneos de los Nenúfares, acompañan así el enfoque dinámico y constantemente renovado de esta prestigiosa colección.
Al final de la tarde del 5 de marzo de 2024, todos contuvieron la respiración en la sala ovalada de los ilustres símbolos de la paz: Wolfgang Laib estaba allí para crear Una montaña que no se puede escalar. Tiempo suspendido. Duodécimo invitado del programa Contrapuntos contemporáneos lanzado hace cinco años, el artista alemán se convirtió en el primero en crear una instalación in situ en diálogo con el friso panorámico de Claude Monet. Una obra de arte, sin embargo, condenada a desaparecer esa misma tarde de su base, ya que la donación por Claude Monet en 1922 de su friso panorámico de los Nenúfares prohibió la exposición de obras de otros artistas. Sí, estamos en “la Capilla Sixtina del Impresionismo”.
Siguiendo un ritual silencioso, el hombre de blanco formó poco a poco ese día un diminuto terraplén dorado al depositar, espátula a espátula, un polvo granulado de color amarillo intenso sobre una estela. Polen. Silencio total durante todo el tiempo que dure lo que no me parece abusivo llamar ceremonia. Una invitación a la meditación. Y una oleada de aplausos después de que se cerró el frasco con el material, cuando el artista dio un paso a un lado. El “espectáculo” está perfectamente elaborado. Evidentemente, podemos preguntarnos. Con la intención de estar en estrecha conexión con la naturaleza, dialogando con el vasto paisaje acuático salpicado de nenúfares, ramas de sauce, reflejos de árboles y nubes del pintor impresionista, la obra de arte parece muy modesta. El gesto también. Pero de repente, lo infinitamente pequeño se encuentra con lo infinitamente grande. Y se está moviendo.
“El polen es el origen de la vida, no es un pigmento para pintar”, señala Wolfgang Laib. Quien es invitado regularmente en todo el mundo, desde la Fundación Beyeler de Basilea hasta el Moma de Nueva York pasando por la Bienal de Venecia, para realizar esta ceremonia que consiste en esparcir en los museos granos de avellana, pino o estopilla de pino que cosecha cada primavera en el. campos y bosques de Baden-Württemberg, cerca de su taller situado en las afueras de Hochdorf, un pueblo del sur de Alemania. Allí vive la mitad del año y pasa el resto del tiempo en la India, donde siguió a sus padres, amantes del arte y de los viajes en los años 1960. El artista nacido en 1950 en Metzingen, Alemania, está naturalmente impregnado de espiritualidad hindú. . Absorbí tanta lectura de Lao Tse como de Nietzsche y Arthur Schopenhauer. “No puedo crear nada tan hermoso como la naturaleza. A través de mi arte tengo la oportunidad de participar en él”, dice.
“Junto con la leche, el arroz y la cera de abejas, el polen es uno de sus materiales favoritos desde hace más de cuarenta años, a partir del cual crea sus instalaciones: nichos de cera fragante, inmensos monocromos solares hechos de polen dibujados en el suelo, alineaciones de. pequeños montones piramidales de arroz…” La periodista Anne-Cécile Sanchez nos ofrece un fascinante retrato de la vida y obra de Wolfgang Laib en el número de mayo de la revista de arte L'Oeil. “Las formas son geométricas (rectángulos, cuadrados, triángulos) o tomadas del vocabulario de la arquitectura: casa, torre, escalera, zigurat (edificio religioso mesopotámico). La repetición de gestos y líneas rigurosas está en el centro de su obra, que persiste durante cuarenta años y adquiere un significado diferente con el tiempo. Le gusta decir que no crea sino que “muestra” la belleza presente en la naturaleza. »
Y ese es seguramente el secreto. La razón por la que los entusiastas del arte contemporáneo lo idolatran un poco como las personas religiosas idolatran a un dios. De hecho, una intensa espiritualidad impregna el aire al entrar en una habitación. También me dije a mí mismo que los rituales llevados a cabo por Wolfgang Laib en el mundo del arte contemporáneo quizás constituían en última instancia una especie de misas u otras ceremonias durante las cuales los fieles meditaban en algo más grande que ellos mismos. Imagino que podrían hacer lo mismo en medio de un claro, inmersos en la naturaleza. Pero un claro no se instala en el corazón de las grandes ciudades como lo hace un museo.
Wolfgang Laib, graduado de la Universidad de Tubinga, podría haber trabajado como médico, como su padre. O convertirse en monje budista. Pero es el arte el que eligió trabajar para curar los males del mundo. En 1992, creó un gran cuadrado de polen en el foro del Centro Pompidou, “rápidamente dispersado por el sistema de ventilación y el paso de las palomas”, recuerda un crítico de arte. “El protocolo no siempre ha sido infalible”, reconoce Anne-Cécile Sanchez… “Pero hoy es más contemporáneo que nunca. La economía de medios de sus instalaciones, que a menudo requieren poco más que unos pocos frascos, una bolsa de arroz y una paciencia infinita, atrae a los museos. " Eso es comprensible. Lo que más me intriga de este tipo de itinerario es la forma en que un artista tan pionero fue capaz de vender con éxito sus obras de arte en el mercado del arte contemporáneo en su época, es decir, desde sus inicios en los años 1970, cuando las instituciones culturales lo hacían. No me importa ahorrar dinero ni hablar de la emergencia climática...
Desde 2019, Wolfgang Laib, encantado de comprobar el carácter atemporal y universal de su arte, dialoga con obras del pasado, para invitarnos siempre a reflexionar sobre la belleza y la fragilidad de la naturaleza a través de un encuentro esencial y elemental. Como en el convento de San Marcos de Florencia, con los cuadros de Fra Angelico, o en la Capilla de los Magos del palacio Medici Riccardi. “Se establece así una relación basada en percepciones sutiles entre el arte visible y el espíritu invisible”, explica Sophie Eloy, responsable de la colección Contrapuntos contemporáneos del Museo de la Orangerie. En el sótano del Museo de la Orangerie, la instalación Rice Field invita a reflexionar sobre el ciclo de la vida y la muerte. Y si efectivamente el montón de polen de la inauguración ha desaparecido de la gran sala ovalada, miren con atención: el artista dejó una montaña de polen de avellano bajo una ventana de la pequeña rotonda contigua.
Artículo escrito por Valibri en Roulotte
Ilustración: Montaña, 2024
Cortesía de la galería Thaddeus Ropac, Londres - París - Salzburgo - Seúl
© Museo de la Orangerie / Sophie Crépy