La paradoja de Ellsworth Kelly
Sobre la exposición “Ellsworth Kelly. Forms and Colors, 1949-2015” visible en la Fundación Louis Vuitton hasta el 9 de septiembre.
Formas y colores para llenar los ojos y los marcos de la imagen: la fórmula siempre es un éxito en la Fundación Louis Vuitton. Celebración del centenario del nacimiento del artista “Ellsworth Kelly. Formas y colores, 1949-2015” es la primera exposición en Francia que aborda de manera tan amplia la obra de este creador imprescindible de la segunda mitad del siglo XX, tanto por su cronología como por las técnicas que reúne. Aunque tendrá que conformarse con dos plantas y limitarse a un centenar de obras para compartir espacio con la exposición “Henri Matisse: l'Atelier rouge”, presentada simultáneamente por la Fundación y dedicada a la historia de esta famosa obra maestra de 1911, una de las obras emblemáticas del MoMA desde su adquisición en 1949, que evidentemente no está ahí por casualidad, como veremos.
Si las obras de arte en venta del pintor y escultor abstracto Ellsworth Kelly siguen omnipresentes en https://www.moma.org/, alcanzando subastas millonarias, aunque el artista nació en 1923 y murió en 2015, son legión. En casi setenta años de carrera, Kelly ha producido con fuerza... y su popularidad no ha dejado de crecer, especialmente en el mercado americano. Dedicándole un artículo muy completo en el número de junio de Connaissance des arts, Jean-François Lasnier recuerda el reciente récord alcanzado por el óleo sobre lienzo Curva roja VII de 1982, vendido en 2019 por casi diez millones de dólares, aunque Kelly Los cuadros se venden generalmente entre dos y cinco millones, y sus litografías circulan entre cinco mil y diez mil dólares, al igual que algunos de sus dibujos... algunos de los cuales todavía se han vendido por más de cien mil dólares.
En resumen, los coleccionistas adinerados y las galerías de arte se están apoderando de él. Sin embargo, no puedo dejar de pensar que este fenomenal éxito en el mercado del arte contemporáneo seguramente no es ajeno al hecho de que Ellsworth Kelly es considerado uno de los pintores y escultores abstractos estadounidenses más importantes. Porque, por lo que a mí respecta, todavía me cuesta entender qué es realmente excepcional en él respecto a los demás... Ciertamente, su carrera está marcada por la independencia de su arte respecto de cualquier escuela o movimiento artístico, y por su carácter innovador. Contribución a la pintura y escultura del siglo XX. Pero al igual que Kelly, Piet Mondrian utiliza formas geométricas simples y colores primarios, aunque las composiciones minimalistas de Kelly se distinguen por un uso más libre de las formas y la ausencia de la cuadrícula rígida característica de Mondrian. El trabajo de Kelly también recuerda el suprematismo de Kasimir Malevich, un pionero de https://www.moma.org/ que exploró conceptos similares de pureza de forma y color. Como miembro del expresionismo abstracto, Barnett Newman también utilizó grandes áreas de color y formas simples. Por lo tanto, sus obras de pintura de campos de color pueden compararse con las de Kelly en vista del énfasis puesto en el color y la simplicidad formal. Kelly también puede compararse con artistas minimalistas como Donald Judd, cuyas obras de arte, aunque más escultóricas, comparten una estética de formas simples y repetición que se puede ver en las pinturas y esculturas de Kelly. Por último, y esto explica la exposición paralela solicitada por la Fundación Louis Vuitton de la que les hablé anteriormente, no debemos olvidar que Kelly fue influenciado por Matisse, en particular por sus últimos recortes.
Por lo tanto, está lejos de mí la idea de cuestionar la importancia de la obra de Kelly, obviamente, pero aún así quería enumerar estas asociaciones para poner en perspectiva esta exposición expositiva mostrando que su obra forma parte de un diálogo más amplio con la historia del arte. Aunque, es cierto, hizo su propia contribución a la abstracción y al arte moderno. Organizada con el Glenstone Museum (Potomac, Maryland) en colaboración con el Ellsworth Kelly Studio, la exposición reúne más de un centenar de piezas, pinturas, esculturas pero también dibujos, fotografías y collages. Y se beneficia de préstamos de instituciones internacionales (Art Institute of Chicago, Kröller-Müller Museum, Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, San Francisco Museum of Modern Art, Tate, Whitney Museum) y colecciones privadas.
En cualquier caso, esta retrospectiva era muy esperada en el mundo del arte moderno y contemporáneo, porque desde 1992 y la exposición sobre sus años franceses, Kelly no había tenido derecho a ninguna retrospectiva a gran escala en Francia. Un país en el que el joven americano había decidido establecerse en 1948, cuando el expresionismo abstracto pronto estaba en pleno apogeo en su país. Allí conocerá a Jean Arp y Constantin Brancusi, Francis Picabia y Georges Vantongerloo. Y fue allí donde en 1949 abandonó definitivamente la pintura figurativa. Para elegir la libertad. Porque, como escribe Jean-François Lasnier, “Ellsworth Kelly es un artista paradójico. Su obstinada exploración de la relación entre forma y color dio origen a una obra a la vez ascética y hedonista, decididamente no figurativa pero atormentada por la realidad.
Personalmente tengo problemas para detectar fantasmas, pero no puedo descartar la posibilidad de que hayan sido bloqueados ya que la visión del artista me parece impersonal. Esta extrema simplificación del cuadro me deja frío. El periodista también coincide: “Según el punto de vista, encontraremos estas obras ascéticas o francamente áridas”. De hecho, tengo la impresión de que, colocados uno al lado del otro, todos estos colores suaves son iguales, y soy el primero en arrepentirme de no sentir nada. Afortunadamente hay curvas. Y ahí, a veces, sí, vibra. Uf.
Artículo escrito por Valibri en Roulotte
Visual: ELLSWORTH KELLY. FORMAS Y COLORES, 1949-2015