Pescado para ti en EL CONOCIMIENTO DE LAS ARTES

Día del Artista: ¡19 de septiembre!

Guy Boyer, director editorial de Connaissance des Arts, tuvo una gran idea: ¡crear un Día del Artista cada año! El principio sería tan simple como luminoso. Esto implicaría abrir los pasillos de los principales museos parisinos durante un día entre dos exposiciones a artistas que normalmente nunca tendrían acceso a tal honor. ¿Estarían dispuestos a seguir el juego el Museo de Arte Moderno, el Centro Pompidou y el Palacio de Tokio, que nunca acogen a artistas contemporáneos que no tengan ya una reputación consolidada? En cualquier caso, se trata de la iniciativa del presidente del Museo de Orsay, Christophe Leribault, transmitida por su sucesor Sylvain Amic, en respuesta a la petición de Thomas Lévy-Lasne de celebrar el 19 de septiembre el Día del Pintor. Este estreno fue breve, duró sólo seis horas, pero importante a nivel simbólico. Unas cuantas decenas de afortunados artistas se han beneficiado de los amplios espacios de la antigua estación y de su iluminación cenital. Otros tuvieron el privilegio de convivir con los pintores famosos del pasado que tanto los inspiraron. En resumen, el evento fue alegre con un aire travieso de salón de rechazos. El público estaba allí. Estudiantes de expositores, galeristas e incluso aficionados llegados de todos los rincones de Francia para esta exposición efímera situada bajo el signo de un diálogo espontáneo e informal entre los ochenta pintores de la época y su público. ¿Este éxito dará a los interesados ​​la idea y el deseo de perpetuar y ampliar este primer 19 de septiembre a todas las artes? ARTactif vota a favor.

Ilustración: el Museo de Orsay

¿Marcel Duchamp era pop?

La importancia de un evento artístico se puede medir por los puentes que crea, así como por las preguntas que suscita. Este es el caso de la exposición Pop Forever, de Tom Wesselman, en la Fundación Louis Vuitton hasta el 24 de febrero. Los vínculos de Wesselmann con los otros gigantes esenciales del arte pop, Lichtenstein, Rosenquist y Warhol, son, por tanto, evidentes. Mostrarlos uno al lado del otro ya no sirve de mucho. En lugar de otra serigrafía de botellas de Coca Cola, también podríamos invocar la Urna de la Dinastía con el logo de Coca de Ai Weiwei. La declaración pop inmediatamente deja de ser transparente. He aquí el respaldo y las reflexiones que aporta esta exposición sobre el arte actual. Y, aguas arriba, resaltar las influencias de Wesselmann también es rico en significado. Tenga en cuenta que sus collages juveniles con grapas revelan una influencia dadaísta. Y sobre todo, haremos una pausa destacando la inspiración de Duchamp. ¿Es el legendario Fontaine uno de los primeros iconos del pop? Se trata de un objeto trivial de la era industrial reproducido de forma idéntica en miles de copias. Como los radiadores, toalleros, frigoríficos y asientos de inodoro que Wesselmann integró en sus obras en los años sesenta. ¿Deben clasificarse las obras pop como ready-made?

Ilustración: Fuente de Marcel Duchamp (1917)

¿Cuánto cuesta un Wesselmann?

Hace quince años habría pagado el doble, pero ahora sólo se necesitan entre 2,5 y 3 millones de dólares para comprar un Wesselmann. A este precio, obtendrás una oferta si consigues una obra perteneciente a la serie Great American Nude and Still Life. ¿Te resulta caro? Dígase a sí mismo que si se enamorara de un Warhol como Shot Sage Blue Marilyn, le costaría mucho más. La alcancía que rompas debe contener al menos 195 millones de dólares. Este es el precio al que se vendió esta obra en 2022. La ley de la oferta y la demanda.

¿Zombie o no zombi?

Aprendamos a diferenciar entre el original y la copia. Entonces, ¿cuál es la diferencia entre un zombie con una e final y un zombie sin e? La primera es una caricatura de Hollywood, una máquina de matar, preferiblemente caníbal, en la gran tradición inaugurada por La noche de los muertos vivientes de George A. Romero. El segundo es el auténtico. En la tradición haitiana, es una persona viva con apariencia de muerto. Hechizado por un hechicero vudú, víctima de una venganza familiar o castigado por sus propias malas acciones. Enterrado, exhumado, sin fuerza de voluntad porque estaba drogado, sería reducido a la esclavitud y trabajaría en una fábrica o en el campo. A menos que se trate de una persona viva que ha usurpado la identidad de una persona muerta o de un zombi psiquiátrico, es decir un enfermo mental que se cree muerto. Los aficionados a la fotografía apreciarán el caso muy particular de este zombi visto en la región de Artibonite por el maestro de ceremonias de la exposición del Quai Branly, Philippe Charlier. Fotografiada por este médico forense y arqueoantropólogo, su imagen no aparece en ninguna de las cientos de fotografías que le han tomado, como si se disolviera en columnas de humo que escapan del suelo. No imprime. ¿Quizás deberían haberle pedido que se tomara una selfie él mismo?

Ilustración: Cartel de la exposición Zombies ¿La muerte no es el fin? Museo del Quai Branly Jacques Chirac (hasta el 16 de febrero)

Tanto cóncavo como convexo.

La mujer real es a la vez cóncava y convexa... Con esta frase del poeta René Nelly grabada en su piel, Nil Yalter interpretó la danza del vientre "Mujer sin cabeza" delante del objetivo en 1974. Y es bajo el título El exilio es un trabajo duro, tomado de otro poeta, Nâzim Hijmet, que había expuesto sus fotografías y vídeos sobre los emigrantes, los “dejados atrás” en 2023. Esta poeta de la imagen llegó a plantar en el pabellón central de la bienal de Venecia “Topak Ev”, su mítica yurta descubierta en 1973 en París en el marco del ARC (Animation Research Confrontation). Eco de un homenaje lejano a las mujeres de las comunidades nómadas de Anatolia central. Grito de alarma de un pionero. En este movimiento, ganó un León de Oro que premia toda su carrera como artista comprometida con una terquedad asombrosa y una gentileza asombrosa.

Ilustración: Topak Ev Yurt en metal, pieles de oveja, horneado, texto y técnica mixta de Nil Yalter (1973)