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Un pintor modelo

En su juventud, Suzanne Valandon hizo arte callejero adelantándose a su tiempo, ya que era demasiado pobre para pintar en cualquier lugar que no fueran las paredes y con cualquier cosa que no fueran barras de carbón. Fue entonces una artista de circo de corta duración hasta que un grave accidente de trapecio la alejó de las grandes carpas. Convertida en modelo de éxito para muchos pintores parisinos gracias a su físico y a su capacidad de mantener la pose durante horas, aprovechó la oportunidad para informarse sobre sus trucos y consejos técnicos. En realidad, ella sólo soñaba con una cosa: mudarse al otro lado de la maleza. Descubierta por Lautrec, fue vilipendiada y burlada por Renoir, quien veía a las mujeres como demasiado sensatas como para demostrar un don de imaginación. Suzanne dibuja escenas cotidianas: el baño, el trabajo de las lavanderas, sus perros, sus gatos, sus amantes. La desnudez es un tema recurrente pero nunca idealizado en una perspectiva realista, lo que explica un estilo de dibujo marcado por una línea a la vez cruda y flexible. Ella pinta a las personas para conocerlas. Este estilo, más dibujado que pintado, seducirá a Degas, quien la animará a entrar en el Salón de la Société nationale des beaux-arts, donde será la primera mujer admitida en 1894. A pesar del tormento que le causó su hijo Maurice Utrillo, que Era una alcohólica tan enfermiza como Una pintora talentosa, Suzanne Valendon ha disfrutado del éxito más allá de las fronteras francesas. Al mismo tiempo, se convirtió en la primera pintora en inmortalizar a un hombre desnudo con un Adán y una Eva censurados en el Salón de Otoño. Pero los críticos la elogian y ella no teme la adversidad. Así añade hojas de higuera y restaura sin vacilar las partes íntimas laceradas de sus dos personajes. Esta mirada sin adornos a la desnudez de hombres y mujeres ha cambiado y desdramatizado su imagen pública. Para una chica fácil, nada complicado. La desnudez no tiene nada de sagrado para ella. La prueba: su odalisca en la Habitación Azul está así vestida y no desnuda como indica la tradición. Ella sigue siendo un icono de la independencia femenina, con su cigarrillo orgullosamente pegado a sus labios. A Suzanne Valandon le gusta estar donde nadie la busca. En su último autorretrato se pintó con el torso desnudo a los 70 años. Y finalmente, cuando estaba a punto de morir, orgullosa de su trayectoria, escribió en el jarrón central del bodegón que compone su último cuadro: "¡Viva la juventud!".

Ilustración: La habitación azul de Suzanne Valandon (1923)

Figuras gratis

sobre la exposición Disco en el Palais de Tokyo del 12 de junio al 7 de septiembre

¿Quién dijo: el estilo es el hombre? En cualquier caso, si nos referimos a Vivian Suter, el estilo seguramente no es el de la mujer. Artista libre, la pintora argentino-suiza no respeta ninguna regla, empezando por las suyas propias. Pensabas que era figurativo, aquí es abstracto. Pero su pintura puede ser con igual facilidad geométrica, incluso letrista. Algunas de sus pinturas tienen una gran reserva de blanco. Otros ninguno. Y lo mismo demuestra en todos los colores de sus pigmentos. Aquí se muestran algunos ocres, amarillos y marrones muy naturales. Y aquí hay azules, verdes y púrpuras dignos de los expresionistas alemanes. Sus exposiciones no estructuran de ninguna manera esta alegre diversidad. Los lienzos con marcos se muestran junto a los lienzos sin marcos. Ninguna proximidad tiene sentido Ni en términos temáticos ni en orden cronológico. Se mezclan las técnicas más diversas y algunos lienzos incluso se liberan de cualquier pared para ser colgados sin ceremonia en el espacio. ¿Qué podemos decir entonces de esta artista que hace todo lo posible para evitar tener estilo? ¿No es en principio la razón de ser de un creador, de un creador, tener un estilo, una marca o incluso una visión del arte que le pertenece? Y hablando de patas, ¿por qué la última exposición de Vivian Suter se llama Disco? Porque es el nombre de su perro que había dejado una huella de su pata en un lienzo dejado descuidadamente en posición horizontal. El estilo suele ser la razón de la existencia de un artista. Su diferencia con todos los demás. Su posicionamiento incluso en términos de marketing. Se puede reconocer un cuadro de Rothko a tres kilómetros de distancia. Todos se parecen, tienen un aire familiar. Lo mismo ocurre con las esculturas de Niki de Saint Phalle. Y nada se parece más a un Matisse que un Matisse. ¿Pero un cuadro de Vivian Suter? El mundo del arte, en última instancia, puede ser más tradicionalista de lo que él imagina. Le gusta poner etiquetas. Con Vivian Suter, es diferente. Lo que cuenta no es el artista sino la obra. No existe una visión de la pintura sino el placer de una práctica constantemente renovada y nutrida por la verdad del momento. Ver que los lienzos dejados a la intemperie han estado expuestos a las inclemencias del tiempo puede dar la idea de que los siguientes se realizarán permaneciendo expuestos a los caprichos del tiempo. Sus marcas se conservarán; La inspiración viene del momento. Sentimientos. Percepciones. Al final, sólo hay una constante en este mundo y en estas obras siempre cambiantes: las pinturas de Vivian Suter. Algo más, diferente, pero ella pinta. Mutatis mutandis, ¿no es eso exactamente lo que se supone que debe hacer un pintor?

Ilustración: Vivian Suter - Disco © Vivian Suter

Oración al odio

sobre la exposición «El arte degenerado: el proceso contra el arte moderno bajo el nazismo» en el Museo Nacional Picasso del 18 de febrero al 15 de mayo

Básicamente, exhibimos obras de arte para darles la oportunidad de conocer a un público que las ama. Pero no todos piensan así. En 1937 se celebraron una serie de exposiciones, la principal en Múnich, titulada Entartete Kunst, dedicada al arte "degenerado", con el fin de despertar el asco de las masas hacia más de 600 de las 20.000 obras confiscadas a los coleccionistas por las autoridades nazis. ¿De qué te acusaron? Revelaron “el alma de la raza judía” o llevaron a cabo “sabotaje deliberado de las fuerzas armadas”. Entre los artistas condenados se encontraban nada menos que Max Beckman, Marc Chagall, Otto Dix, Vassili Kandinsky, Plaul Klee y Vincent Van Gogh. ¡La exposición fue un éxito!

 Ilustración: George Grosz, Metrópolis, Óleo sobre lienzo, 1916-1917, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid